Описание презентации по отдельным слайдам:

1 слайд

Описание слайда:

2 слайд

Описание слайда:

Авангард (фр. avant-garde – передовой отряд) – направление в изобразительном искусстве, в основе которого лежит отказ от классических канонов и традиций и эксперименты с новыми формами и образами. Авангард возник в начале XX века и был тесно связан с модерном и модернизмом, в рамках которых зародилось начало пересмотра классических традиций. Идеи авангардизма получили развитие практически во всех направлениях искусства отличающихся стремлением к новым решениям в реализации творческих идей: футуризме, сюрреализме, абстракционизме, экспрессионизме, кубизме, супрематизме, конструктивизме, фовизме и пр.

3 слайд

Описание слайда:

Авангард как направление искусства не имеет стилистического единства. Признаком принадлежности отдельного художника к передовому отряду экспериментаторов является неклассическая реализация творческих идей и непримиримое отношение к сложившимся стереотипам. Истинный авангардист создает не просто объект искусства, а красноречивое противопоставление с нескрываемым настроем в русле активной полемики.

4 слайд

Описание слайда:

Произведения авангардного творчества отличает идеологический замысел художника. Если не вдумываться в смысл этих эпатажных творений, то увидеть что-либо, кроме откровенной бессмыслицы довольно сложно. К примеру, дадаист и сюрреалист Марсель Дюшан (Marcel Duchamp) под звучным и образным названием «Фонтан» представил публике картину, изображающую писсуар с собственным автографом.

5 слайд

Описание слайда:

Другой авангардист Франсис Пикабиа (Francisco Picabia), упростил воплощение картины «Святая дева» до малопривлекательной кляксы. Однако, принимая во внимание время создание столь неоднозначных шедевров – финал Первой мировой войны и абсолютное нежелание общества того времени мириться с подобной ничем не обоснованной дикостью, нетрудно догадаться, что специфика таких авангардистских картин обусловлена как раз желанием обнажить реальный, а не кажущийся порядок вещей.

6 слайд

Описание слайда:

Несмотря на то, что художественные творения в стиле авангард вызывают совершенно непредсказуемую реакцию зрителя, многие из них давно включены в сокровищницу величайших мировых произведений искусства. Среди признанных мастеров «передового отряда» можно отметить Казимира Малевича, Сальвадора Дали (Salvador Dali), Марка Шагала, Пита Мондриана (Piet Mondriaan), Пабло Пикассо (Pablo Picasso), Василия Кандинского и др.

7 слайд

Описание слайда:

8 слайд

Описание слайда:

Абстрактное искусство Одно из основных направлений авангарда. В отличие от тради­ционного искусства не подражает реальности и не воспроизводит ее элементы. Объект абстрактного искусства - инструментарий художника: цвет, линия и форма. Первые абстрактные произведения создал Василий Кандинский в конце 1900‑х - начале 1910‑х; первым абстрактным произведением считается его «Картина с кругом» (1911). В 1912–1915 годах появились абстрактные живо­писные системы лучизма (Ларионов, 1912) и супрематизма (Малевич, 1915).

9 слайд

Описание слайда:

10 слайд

Описание слайда:

Конструктивизм От латинского constructio - «построение». Основные черты конструкти­визма - строгость, лаконизм и геометричные формы. Официально стиль был обозначен в 1922 году в одноименной книге художника и теоретика искусства Алексея Гана. Среди самых известных конструктивистов - Владимир Татлин, Александр Родченко, Варвара Степанова, архитекторы Моисей Гинзбург, Константин Мельников, братья Веснины. Конструктивизм распространился в самых разных сферах художественного творчества: театральных декорациях и костюмах, книжном оформлении, архитектуре и проч.

11 слайд

Описание слайда:

Космизм Философское понятие, возникшее в 1870-е годы и обозначающее философов и ученых, размышлявших о внеземном пространстве и космосе. Развитию космизма способствовало беспредметное, или абстрактное, искусство, а ученики Малевича - художник Иван Кудряшов и архитектор Лазарь Хидекель - развивали космический аспект геометрической беспредметности и идеи космизма. Лазарь Хидекель. Города будущего. Надземный город. 1927 год

12 слайд

Описание слайда:

Кубизм Кубизм сформировался во Франции осенью 1908 года в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо. В Россию он проникает разными путями. Так, художница Александра Экстер регулярно привозит из Парижа разные сведения о новом модном стиле, а в 1908 году коллекционер Сергей Иванович Щукин открывает всем желающим свой особняк в Большом Знаменском переулке. В собрании среди прочего есть работы кубистов. В 1912 году в сборнике «Пощечина общественному вкусу» выходит статья художника и поэта Давида Бурлюка «Кубизм». Кубизм, пишет он, подразумевает плоскостное понимание мира или канон сдвинутой конструкции, а его важнейший прием - изображение объекта с нескольких точек зрения. Три года спустя в манифесте «От кубизма к супрематизму» Казимир Малевич определяет сущность направления как «диссонанс», происходящий в результате «встречи двух форм»: «В принципе кубизма лежит еще очень ценная задача, не передавать предметы, а сделать картину Жорж Брак. Скрипка и подсвечник. 1910

13 слайд

Описание слайда:

Кубофутуризм Впервые это понятие в 1912 году использовал французский критик Марсель Буланже, а на следующий год термин получает распространение и в русской культуре. К кубофутуристам причисляет себя поэтическо-художественная группа «Гилея», а также художники круга «Союза молодежи». В кубофуту­ристических произведениях мир предстает раздробленным на фрагменты или разобранным на элементы. В ноябре 1913 года кубофутуристическими называет свои работы Малевич в каталоге выставки «Союза молодежи». В 1912–1913 годах появляется кубофутуристичная живопись Наталии Гончаровой («Фабрика»). Наталия Гончарова. Фабрика. 1912 год

14 слайд

Описание слайда:

Линиизм В 1919 году термин изобрел Александр Родченко, обозначив так одно из тече­ний в беспредметном искусстве. «Ввел и объявил линию как элемент конст­рукции и как самостоятельную форму живописи», - писал он в Манифесте раннего конструктивизма. Александр Родченко. Линейная конструкция № 108.

15 слайд

Описание слайда:

Супрематизм Так в декабре 1915 года Малевич охарактеризовал свои работы, показанные на «Последней футуристической выставке „0,10“». Его «Черный квадрат» открыл новое поле опытов - чисто геометрическую беспредметную форму. В начале 1920 года Малевич уехал преподавать в Витебск, и там супрематизм становится основой новой педагогики Уновиса - «Утвердителей нового искусства».

16 слайд

Описание слайда:

Футуризм От итальянского futuro - «будущее». Футуризм возник в Италии в 1909 году благодаря Филиппо Томмазо Маринетти и распространился на все области художественного творчества. Основа футуризма - новый язык искусства, соответствующий изменившемуся миру. По свидетельству Давида Бурлюка, русские художники и литераторы начали использовать термин с 1911 года. Сами футуристы, однако, тогда называли себя будущниками или будетлянами. Ближе всего к футуризму были группы «Ослиный хвост» и «Союз молодежи». Особенно популярен в русской живописи футуризм был до 1914 года.  Джакомо Балла. Скорость + звук. 1913–1914 годы

17 слайд

Описание слайда:

ЭКСПРЕССИОНИЗМ Его суть заключается в обостренном, часто гипертрофированном выражении с помощью исключительно художественных средств и приемов чувств и переживаний художника, иррациональных состояний его души, чаще всего трагического и экзистенциально-драматического спектров: тревоги, страха, безысходности, тоски, нервозности, разобщенности, повышенной эмоциональности, болезненной страстности, глубокой неудовлетворенности, ностальгии и т. п. Опустошенность, меланхолия, психопатия, нередко истеричность, мрачный эсхатологизм, а иногда и громкие крики протеста против окружающего мира и безнадежные призывы о помощи наполняют многие произведения экспрессионистов. Центральным и наиболее характерным для экспрессионизма принято считать деятельность, прежде всего, немецких художников, связанных с группой "Die Brьcke" ("Мост"), альманахом "Der Blaue Reiter" ("Синий всадник"), организованным В.Кандинским и Ф.Марком в 1911 г. и с галереей, издательством и одноименным журналом "Der Sturm" Х.Вальдена (Берлин, 1910-1932 гг.). Периодом расцвета считаются 1905-1920 г.

18 слайд

Описание слайда:

Практическое задание: Составить композицию из простых геометрических фигур и линий на заданную тему: ПРАЗДНИК, ШКОЛА, УТРО, КОНТРАСТ,КОСМОС, ВСТРЕЧА,ПЕЧАЛЬ, ДВИЖЕНИЕ,МУЗЫКА

Русский авангард – общий термин для обозначения значительного явления в искусстве, процветавшем в России с 1890 по 1930 гг. К русскому авангарду можно отнести самые различные новаторские направления: «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм» и другие.

Направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции), и, считавший себя основоположником нового типа творчества супрематизма, Казимир Малевич, создатель знаменитого «Чёрного квадрата».

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества. Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г.

Казимир Малевич родился 11(23) февраля 1879 года в Киеве. Родители Малевича и сам он были поляками по происхождению. Отец работал управляющим на сахарном заводе известного украинского промышленника Терещенко. По данным некоторых СМИ отцом Малевича был белорусский этнограф и фольклорист Северин Антонович Малевич (). Мать Людвига Александровна () была домохозяйкой. У четы Малевичей родилось четырнадцать детей, но только девять из них дожили до зрелого возраста. Казимир был первенцем. Рисовать начал учиться самостоятельно, после того, как в возрасте 15 лет мать подарила ему набор красок. В возрасте 17 лет некоторое время провёл в Киевской художественной школе Н. И. Мурашко.

Работа была выполнена летом и осенью 1915 года. Работа была выставлена на футуристической выставке, открывшейся в Петербурге 19декабря 1915 года. Среди тридцати девяти картин, выставленных Малевичем на самом видном месте висел «Чёрный квадрат». Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Чёрного квадрата» (по некоторым данным, семь). «Квадрат» сыграл свою роль в оформлении похорон Малевича в 1935 году. Во время похорон на открытой платформе грузовика с изображением чёрного квадрата на капоте был установлен супрематический саркофаг, а над могилой (близ деревни Немчиновки) был поставлен деревянный куб с изображением чёрного квадрата. Вскоре могила была уничтожена.

Написана в 1915 году. Назван на обороте «Женщина в двух измерениях». Представляет собой красный четырёхугольник на белом фоне, несколько отличающийся по форме от квадрата. В 1920 году Малевич писал об этой картине, что «в общежитии он получил ещё значение как сигнал революции».

Написана в годах, точная дата неизвестна, на многие свои поздние картины Малевич ставил более раннюю дату. Картина долгое время была единственной из абстрактных работ художника, признаваемая официальной историей советского искусства, чему способствовало её название и изображение событий Октябрьской революции. Картина разделена на три части: небо, земля и люди (красная конница). Отношение ширина земли и неба в пропорции 0,618 (золотое сечение). Конница из трех групп по четыре всадника, каждый всадник расплывается, возможно конница из четырёх рядов. Земля нарисована из 12 цветов.

Направление в живописи в русском искусстве 1910-х гг., относится к абстрактному искусству. Основоположниками лучизма стали художники М. Ф. Ларионов и Н. С. Гончарова. Районизм (Лучизм) это абстрактное искусство, основанное на вмещении световых спектров и светопередачи. Особое развитие лучизм получил в творчестве С. М. Романовича, который колористические идеи лучизма сделал основой «пространственности» красочного слоя фигуративной картины.

Фактическим создателем одного из направления авангардного искусства, а именно, лучизма был Михаил Васильевич Ларионов. Он родился в Херсонской губернии, в уездном городе Тирасполе. Сын военного фельдшера учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова, И. И. Левитана. Там же познакомился с Н. С. Гончаровой, ставшей не только его супругой, но и единомышленницей в творчестве. С начала 1900 годов Ларионов активно участвовал в художественной жизни, выставляясь не только в России, но и в Европе, и большое влияние на Ларионова оказали французские живописцы, с творчеством которых впервые он познакомился в московском собрании С. И. Щукина. В работал в стиле позднего импрессионизма («Куст сирени в цвету»). Находясь на острие художественной жизни того времени, к 1912 году создал новую художественную концепцию лучизм, одну из первых примеров абстрактного искусства в разряде так называемого «беспредметного творчества», в которой формы образовывались в результате пересечения лучей, отражённых от различных предметов.

Конструктивизм иногда называют «производственным искусством». Он возник после Октябрьской революции в качестве одного из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства, хотя, как и любое явление в искусстве. В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить… производству.

Слева работы братьев Весниных: Дом Культура ЗИЛ и стадион «Динамо» в Москве. Оба проекта Весниных выделялись не только рациональностью плана и соответствием облика эстетическим идеалам современности, но и подразумевали использование новейших строительных технологий и материалов.

Направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, в живописи соединившее в себе наработки итальянских футуристов (например, Боччони) и французских кубистов (таких, как Брак). Ольга Розанова, Любовь Попова, Надежда Удальцова, Александра Эстер – художницы, которые внесли значительный вклад в развитие кубофутуризма в России. К поэтам-кубофутуристам относились Велимир Хлебников, Елена Гуро, Давид и Николай Бурлюки, Василий Каменский, Владимир Маяковский, Алексей Кручёных, Бенедикт Лившиц.

ЗАКЛЯТИЕ СМЕХОМ О, рассмейтесь, смехачи! О, засмейтесь, смехачи! Что смеются смехами, что смеянствуют смеяльно, О, засмейтесь усмеяльно! О, рассмешищ надсмеяльных - смех усмейных смехачей! О, иссмейся рассмеяльно, смех надсмейных смеячей! Смейево, смейево! Усмей, осмей, смешики, смешики! Смеюнчики, смеюнчики. О, рассмейтесь, смехачи! О, засмейтесь, смехачи! Стихотворение представляет собой эксперимент Хлебникова по созданию гнезда неологизмов.

Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в лишённых изобразительного смысла комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции. На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. Начиная с 1915 г., когда были выставлены первые абстрактные работы Малевича, в том числе «Чёрный квадрат», влияние супрематизма испытали такие художники как Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко и многие другие.

Ольга Розанова родилась в Меленках, небольшом городке близ Владимира (Российская империя). Она поступает в школу рисования Константина Юона и одновременно учится на курсах в училище живописи и скульптуры Большакова. В 1910 году художница переезжает в Петербург и становится одним из наиболее активных членов Союза Молодежи. В 1916 г. она присоединяется к обществу «Супремус», возглавляемому Казимиром Малевичем. К этому времени её стиль развивался от кубизма и итальянского футуризма к чистой абстракции, в которой композиция создаётся визуальным весом и взаимосвязью цветов. После революции 1917 г. Розанова занимается реорганизацией искусства и руководит художественно-промышленным подотделом ИЗО Наркомпроса. 7 ноября 1918 г. Ольга Розанова умерла от дифтерита.

Родилась 24 апреля (6 мая) 1889 года в имении Красновидово (село Ивановское, Московская губерния) в семье богатого предпринимателя. Первые уроки рисования Л. Попова брала у художника К. М. Орлова, который был другом её семьи. В 1906 году она переехала в Москву, где получила среднее образование. В 1908 году Попова брала частные уроки в художественной школе Константина Юона. В 1910 году Любовь Попова поехала в Италию, где брала частные уроки живописи. Попова увлеклась супрематизмом, стала членом группы Казимира Малевича Супремус, вместе с другими художниками-супрематистами.
Футуризм - одно из направлений русского авангарда; термин, используемый для обозначения группы российских поэтов, писателей и художников, перенявших положения манифеста Томмазо Филиппо Маринетти. Основные черты: 1) бунтарство, анархичность мировоззрения, выражение массовых настроений толпы; 2) отрицание культурных традиций, попытка создать искусство, устремлённое в будущее; 3) бунт против привычных норм стихотворной речи, экспериментаторство в области ритмики, рифмы, ориентация на произносимый стих, лозунг, плакат; 4) поиски раскрепощённого «самовитого» слова, эксперименты по созданию «заумного» языка.

Родоначальниками русского футуризма считаются «будетляне», члены Санкт-Петербургской группы «Гилея» (Велимир Хлебников, Алексей Кручёных, Владимир Маяковский и Давид Бурлюк), в декабре 1912 года выпустившие манифест «Пощёчина общественному вкусу». Манифест призывал «бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч., и проч., с парохода современности» и формулировал 4 права поэтов: 1) На увеличение словаря поэта в его объёме произвольными и производными словами. 2) Непреодолимую ненависть к существовавшему до них языка 3) С ужасом отстранять от гордого чела своего из банных веников сделанный Венок грошовой славы. 4) Стоять на глыбе слова «мы» среди моря свиста и негодования.

В России первыми футуристами стали художники братья Бурлюки. Давид Бурлюк основатель в своём имении колонии футуристов «Гилея». Ему удаётся сплотить вокруг себя самые разные, яркие, ни на кого не похожие индивидуальности. Маяковский, Хлебников, Кручёных, Бенедикт Лившиц, Елена Гуро наиболее известные имена.

Родился 9 (21) июля 1882 в семье агронома-самоучки. В детстве потерял глаз в драке с родным братом. Ходил со стеклянным глазом, это стало частью его стиля. В учился в Казанском и Одесском художественных училищах. В печати дебютировал в Картины и рисунки Бурлюка разбросаны по всему свету в музеях и частных коллекциях. «Отец российского футуризма», Бурлюк принимал активное участие в выступлениях футуристов, являясь их теоретиком, поэтом, художником и критиком. Свойственные футуризму эпатажность и антиэстетичность ярче всего проявлялись в его стихах: …Душа кабак, а небо рвань, Поэзия истрепанная девка, А красота кощунственная дрянь… …Звезды черви, пьяные туманом… …Мне нравится беременный мужчина…

Сергей Прокофьев родился 23 (11) апреля 1891 г. в селе Сонцовка Бахмутского уезда Екатеринославской губернии, ныне село Красное, Украина в семье ученого-агронома Сергея Алексеевича Прокофьева (). Воспитание сына взяла на себя мать, которая была хорошей пианисткой. Она происходила из крепостных Шереметевых, где с самого раннего детства учили театральным искусствам и музыке. Мальчик начал заниматься музыкой с 5 лет и уже тогда проявлял интерес к сочинительству. Мать записывала сочиненные им пьесы: рондо, вальсы, песенки, «Индейский галоп». В возрасте 9-10 лет мальчик- композитор написал 2 оперы: «Великан» и «На пустынных островах». С 1904 учился в Петербургской консерватории у Николая Римского- Корсакова по инструментовке.

• Размер: 2.6 Mегабайта
• Количество слайдов: 34

Описание презентации Презентация МХК-Русский авангард начала XX века по слайдам

Направления русского авангарда Направление Идеологи и представители абстракционизм Василий Кандинский лучизм Михаил Ларионов и Наталья Гончарова супрематизм Казимир Малевич аналитическое искусство Павел Филонов конструктивизм Владимир Татлин

Абстракционизм (беспредметное искусство) Одно из главных направлений в искусстве XXXX века. Структура произведения основывается на формальных элементах – линиях и цветовых пятнах. Произведения воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания. Абстракционизм как высшая ступень изобразительного искусства создает формы, присущие только искусству. «Освобожденный» от копирования действительности, абстракционизм превращается в средство передачи непостижимого духовного начала мироздания, вечных «духовных сущностей» , «космических сил» . Геометрическая (логическая) абстракция создает пространство путем сочетания геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Лирико-эмоциональная абстракция, в которой композиции организуются из свободно текущих форм и ритмов.

Василий Васильевич Кандинский (1866-1944) Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества. Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно - в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г.

Василий Васильевич Кандинский В. В. Кандинский. Москва.

Супрематизм Разновидность геометрической абстракции Структурными элементами композиции. являются разноцветные плоскости, круг, квадрат, прямоугольник, треугольник, крест. Сюжет, рисунок, пространственная перспектива в обычном понимании отсутствуют. Основной принцип выразительности – математически выверенная абстрактная композиция. Идеальные конструкции из геометрически и хроматически правильных элементов выражают абсолютные, «высшие» начала реальности, постигнутые интуицией художника.

Казимир Северинович Малевич (1879-1935) Казимир Малевич родился 11(23) февраля 1879 года в Киеве. Родители Малевича и сам он были поляками по происхождению. Отец работал управляющим на сахарном заводе известного украинского промышленника Терещенко. Мать Людвига Александровна (1858- 1942) была домохозяйкой. У четы Малевичей родилось четырнадцать детей, но только девять из них дожили до зрелого возраста. Казимир был первенцем. Рисовать начал учиться самостоятельно, после того, как в возрасте 15 лет мать подарила ему набор красок. В возрасте 17 лет некоторое время провёл в Киевской художественной школе Н. И. Мурашко.

Казимир Малевич К. Малевич. Черный супрематический квадрат. 1913-1914. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург К. Малевич. Супрематическая композиция.

Казимир Малевич К. Малевич. Автопортрет. Гуашь, бумага. 1910. Государственная Третьяковская галерея. Москва К. Малевич. Автопортрет.

Лучизм – художественная школа в русском искусстве, связанная с именами М. Ларионова и Н. Гончаровой цель живописи – в передаче четвертого измерения, где властвуют иные живописные законы и приемы изображение не самих предметов, а отраженных от них цветовых лучей передача на полотне впечатления от встречи в пространстве перекрещивающихся световых и энергетических лучей различных предметов использование лучей для создания формы в соответствии со своими собственными эстетическими воззрениями В. Маяковский называл лучизм кубистическим толкованием импрессионизма

Михаил Федорович Ларионов (1881-1964) Он родился в Херсонской губернии, в уездном городе Тирасполе. Сын военного фельдшера. 1898- 1910 - учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова, И. И. Левитана. Там же познакомился с Н. С. Гончаровой, ставшей не только его супругой, но и единомышленницей в творчестве. большое влияние на Ларионова оказали французские живописцы, с творчеством которых впервые он познакомился в московском собрании С. И. Щукина.

Михаил Ларионов М. Ларионов. Отдыхающий солдат. 1911. Государственная Третьяковская галерея. Москва. М. Ларионов. Офицерский парикмахер.

Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962) Правнучатая племянница жены Пушкина, Натальи Николаевны, в девичестве Гончаровой. Родилась в семье московского архитектора С. М. Гончарова (1862- 1935) и его жены Екатерины Ильиничны (урожд. Беляевой), дочери профессора Московской духовной академии. Сначала занималась преимущественно скульптурой, а впоследствии стала увлекаться живописью. Первым наставником начинающей художницы стал К. А. Коровин. При этом скульптурные работы художницы тоже получили высокую оценку. В 1915 году Гончарова вместе с мужем М. Ф. Ларионовым уезжает во Францию. Н. Гончарова. Автопортрет с желтыми лилиями. Холст, масло.

Наталья Гончарова Н. Гончарова. Велосипедист. 1913. Н. Гончарова. В мастерской художника.

Наталья Гончарова Н. Гончарова. Архистратиг Михаил. 1910 Н. Гончарова. Московская улица.

Наталья Гончарова Н. Гончарова Белые испанки.

Аналитическое искусство – метод, разработанный Павлом Филоновым в ряде его теоретических работ. гармоническое взаимодействие человека и природы обращение к интеллекту зрителя принцип органического роста (как растет дерево) художественной формы и «сделанности» картин при создании произведения художник должен опираться не только на видимое («видящий глаз»), но и на незримое («знающий глаз») подражание не формам природы, которые она создает, а методам, которыми она «действует»

Павел Николаевич Филонов (1883-1941) П. Филонов. Автопортрет.

Павел Филонов П. Филонов. Победа над вечностью. Холст, масло. 1920. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург П. Филонов. Портрет Евдокии Глебовой. Холст, масло. 1915. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Конструктивизм Формирование конструктивизма происходило в тесном взаимодействии архитекторов, дизайнеров и живописцев-авангардистов. Революционное переустройство жизни, объединение личного и общественного бытия, внедрение производственного искусства в жизнь и быт. Стремление к новым эстетическим идеалам – простоте, демократичности, утилитаризму. В архитектуре создавался функциональный метод проектирования зданий, разрабатывались принципы планировки городов и поселков.

Татлин Владимир Евграфович 1885-1953 Родился в Москве 16 (28) декабря 1885 в семье инженера. В 1899– 1900, убежав из дома, устроился юнгой на пароход. Полноценного художественного образования не получил, учился бессистемно, урывками. участвовал в выставках «Мира искусства» и «Союза молодежи» , а также в выставках «Бубновый валет» и «Ослиный хвост» . В 1912 устроил в Москве свою собственную мастерскую-школу. В процессе его педагогической деятельности закладывались основы «производственного искусства» , призванного, как это было изначально задано в контррельефах, создавать не образы вещей, а сами вещи, формирующие новый быт (имея в виду эту цель, он сам создает лаконично-функциональные модели прозодежды, утвари и мебели, 1923– 1924).

Татлин Владимир Евграфович 1885-1953 В 1919– 1920 он создал главное свое произведение, модель грандиозного здания-памятника Октябрьской революции или «башни III Интернационала» (металл, стекло, дерево; модель не сохранилась, известна по фото и нескольким реконструкциям), задуманное как гигантский комплекс вращающихся с разной скоростью цилиндров, объединенных вокруг общей наклонной оси.

Татлин Владимир Евграфович 1885-1953 Пафос вселенского обновления (комплекс должен был стать не только символическим, но и реальным культурно-пропагандистским центром мировой революции) сочетается здесь с удивительным смысловым драматизмом: монумент более всего напоминает Вавилонскую башню, причем представленную в момент наклона, т. е. начавшегося разрушения.

Татлин Владимир Евграфович 1885-1953 В. Е. Татлин. Матрос. Автопортрет. 1911. Холст, темпера. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург В. Е. Татлин. Старо-Басманная. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Татлин Владимир Евграфович 1885-1953 В. Е. Татлин. Череп на раскрытой книге. 1950 В. Е. Татлин. Садовые цветы. 1938. Дерево, масло. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Мировая художественная культура.

Конспект урока на тему: «Мастера русского авангарда» из раздела «Художественная культура XX века»,

11 класс.

Выполнила: Коротицкая Анна Владимировна учитель по Мировой художественной культуры г. Магнитогорска Челябинской области.

Электронный адрес: anyakorot @ mail . ru

Конспект урока по МХК, 11 класс

Тема раздела: «Художественная культура XX века»

Тема урока: «Мастера русского авангарда». 1 час.

Цели:

Обучающая: развитие и закрепление темы раздела «Художественная культура XX века»; познакомить с новым понятием авангардизм. Овладение умением анализировать художественные произведения В. Кандинского, К. Малевича, П. Филонова, В. Татлина и вырабатывать собственную эстетическую оценку.

Развивающая: использование приобретенных знаний и умений для расширения кругозора, осознанного формирования собственной культурной среды.

Воспитывающая: воспитание художественно-эстетического вкуса и культуры восприятия произведений искусства.

Задачи урока:

1. Повторение пройденного материала.

2. Русский авангард. Начало русского авангарда.

3. Особенности русского живописного авангарда.

4. Абстракционизм В. Кандинского.

5. «Аналитическое искусство» П. Филонова.

6. Супрематизм К. Малевича.

7. В. Татлин – основоположник живописного конструктивизма.

8. Судьба русского авангардиста.

Тип урока: урок расширения и углубления в тему.

Форма урока: урок – лекция.

Жанр урока: урок – презентация.

Ход урока

Учитель: Сегодня мы с вами продолжаем, знакомиться с разными направлениями в искусстве XX столетия. Слайд 1

Слайд 2

С какими направлениями и стилями мы уже с вами познакомились? (с искусством символизма, модернизма, конструктивизма; зарубежное изобразительное искусство – программность, кубизм, фовизм, примитивизм, футуризм, сюрреализм, дадаизм, поп – арт.).

Каковы главные отличительные черты новых стилей, направлений и исторические предпосылки их возникновения? (учащиеся кратко выделяют отличительные черты стилей и всех направлений 20 столетия).

Сегодня мы познакомимся с еще одним направлением в искусстве 20 века это «авангардизм». Слайд 3

Что вы можете рассказать про это направление в искусстве? (ответы по желанию учащихся).

Сам термин «авангард» заимствован из военной терминологии и не представляется идеальным в применении к искусству. Он страдает жестокостью и не может сообразовываться с природой художественного мышления. Но он принят, и мы не ищем ему замены.

Слайд 3

Авангардизм (фр. передовой + отряд) - название ряда течений в искусстве 20 века, порывающих с существующими нормами и традициями реализма. Авангардисты рассматривают искусство как особую, лишенную социальной значимости эстетическую сферу, постоянно экспериментируют в поисках новых форм.

Слайд 4

Русский авангард. Начало русского авангарда.

История русского авангарда начинается с 1910 года. Русские художники усваивали европейские традиции, но и создали свой национальный стиль. Древнерусская иконопись, народные лубочные картинки, примитивизм детских рисунков помогали им создавать новую художественную реальность.

- «Русский взрыв… был вполне закономерен и исторически оправдан» (Д. В. Сарабьянов). В конце 1910 года в Москве устроена выставка под названием «Бубновый валет», а в 1911 года под этим названием организовали общества, просуществовавшее до 1917 года, и проводили выставки с участием русских и иностранных художников. Художники и поэты дразнили публику, «бубновые валеты» выражали свой протест против художественного застоя. Художники возвращали живописи способность пользоваться Толькой её присущими свойствами – цветом, линией, пластикой. Они увидели красоту в самой поверхности холста. Интерес к предмету, к массе, к объему, вылепленному цветом и красочным «тестом» – все это сделало популярным жанр натюрморта. Пейзажи, портреты русских авангардистов становились чем – то близким натюрморту. «Бубновые вылеты» не стремились к монументальности, к фреске, используя в лучшем случае форму панно, сближая его с вывеской. Все эти устремления соединяются с темпераментной стихийностью, с азартным напором, с уличной громогласностью – все это типично для русского авангарда.

Слайд 5

Особенности русского живописного авангарда.

Учитель: Первые выставки «Бубнового валета» стали свидетелем того, что русская живопись начала вхождение в полосу авангардного движения, которое развернулось в 1910 – 1920 –е годы. Оно становится программным, проектным, сопровождается манифестом или устной декларацией, подкрепляется теоретически, без чего авангард не существует. В писаниях авангардистов слышны отзвуки современных им научных открытий или философских концепций. Научные предположения выглядят наивными иногда, но этот недостаток восполняется в самом творчестве, где интуиция выступает на первый план и ставит художественный образ на уровень новейших научных открытий. Вырабатывается тип художника, как бунтаря, протестанта. Качеством русского авангарда является отрицание традиций предшественников. Еще одним из главных отличительных особенностей является следующее: произведение искусства создает новую реальность. Художники вступали в мир неведомый. Их образы – реальность вторичная или реальность идеальная. В ней на совершенно особый маневр построены взаимоотношения частей вселенной и мелких явлений и вещей, находящихся в кругу представления человека. Особенностью является также его многоликость. Фамилии нескольких авангардистов - Кандинский, Ларионов, Гончаров, Малевич, Татлина, Матюшин - чтобы понять, что каждый из них самостоятелен, независим, и неповторим.

Слайд 6

При всем своеобразий и известных достоинствах русской жи­ вописи Х VIII -Х I Х вв. ее представителей нельзя определить как новаторов. Авангард, был для русского искусства непривычен. Тем удивительнее стреми­ тельное формирование новаторской живописи.

Живопись шагнула к последнему слову художественного изобретательства.

Какую-то роль сыграл революционный порыв, которым была охвачена Россия в 1900-1910-е гг.

В ситуации революционного накала возможность художникам-авангардистам вкусить ра­дость отрицания всего того, что им непосредственно предшест­вовало.

В самом творчестве аван­гардистов, которые, выдвигая определенные идеи, доводили до крайней точки их реализацию. Такая тенденция характерна для Ларионова, Малевича, Татлина..

В России утопизм авангардного движения проявляется в отрыве от предшествующего опыта. Выражается в представлении о пути через искусство к идеальному но­вому миру.

Слайд 7

Не случайно русские авангардисты вынашивали идею четвер­того измерения, интересуясь идеями Ч. Г. Хинтона и П. Д. Успен ского стараясь приноровить их учения к творческим целям.

Утопия авангарда сродни многим утопиям большой истории искусства. Самая крупная из них - утопия Ренессанса - столь сильно поразила человечество.

Человек, почувст­вовавший власть над миром и постигший вкус управления им, родился во времена Ренессанса. Авангард дал новую вспышку этой жажде власти, хотя, казалось бы, он словно возвращается туда, откуда вырвался Ренессанс. Но в своем порыве выдвигали новую - собственную идеальную концепцию миро­порядка.

Для Мале­вича, Кандинского, Филонова процесс создания картины был приближен к таинству. Творец-художник уподоблялся божест­ву, становился личностью исключительной, по меньшей мере - «председателем земного шара» (как именовал себя поэт Велимир Хлебников).

Слайд 8

В других европейских странах ранний авангардизм получил не столь разноплановое воплощение. Но даже самые великие из них - Пикассо или Брак - приближаются друг к дру­гу, но их творческие концепции лежат не на таком большом расстоянии друг от друга, какое отделяет творчество Малевича от Татлина, Татлина от Филонова, а Филонова от Шагала.

На рубеже XIX и XX вв. в временном отрезке разворачивается ряд стиле­вых вариантов и идейно-художественных движений. Таким образом, до конца реализуется тот по­тенциал многообразия, который обязан своим происхождением скорее ситуации, чем традиции.

В России, пожалуй, как нигде, в 1910-е гг. сло­жилась ситуация, подходящая для самореализации.

Стали захлестывать волны того живописно-поэтического шторма, который готов был смыть с лица земли все прежние культурные институты.

За выставками, устроенными на балаганный манер, следовали диспуты, где разгорались жаркие споры. Художники и поэты предпринимали гастрольные поездки, стараясь разнести идеи и образцы нового творчества по городам и весям России.

Русская авангардная живопись вобрала в себя националь­ные традиции русской культуры.

Слайд 9

Абстракционизм В. Кандинского.

- Абстракционизм (фр. абстрагирование) – направление в живописи, скульптуре и графике 20 века. Абстракционисты отказывались от изображения реальных предметов и явлений, произведения представляет сочетание геометрических форм, цветовых пятен и линий.

Василий Васильевич Кандинский (1866 – 1944) абстрагировал реальность, зашифровывал предмет беспредметной формой или, наоборот сохраняя мосты между предметностью и беспредметностью.

Слайд 10

Первые этюды и картины, написанные в окрестностях Мюнхе­на, создавали впечатление бескрайности окружающего мира, пора­жали необычной яркостью цветовой гаммы. Романтическая припод­нятость ранних пейзажей и жанровых сцен из народной жизни ха­рактерна для произведений этого периода. «Синий всадник» (1903), мчащийся на коне, на фоне зеленого пейзажа, - идеальный роман­тический образ, который можно рассматривать в качестве эпиграфа к творчеству Кандинского. Синий всадник, символизирующий власть над иррациональной психической энергией, воспринимался как проявление высшего духовного начала.

Слайд11

Главным предметом экспериментов художника становилось про­странство, в котором он пытался построить новые взаимоотношения между миром реальным и абстрактным. Разрушение предметности явилось прелюдией к смелой абстракции художника. В статье «Сту­пени» (1918) Кандинский подчеркивал, что «предметность вредна моим картинам». Несмотря на отсутствие сюжета, в созданном им беспредметном мире все же можно было узнать очертания реальных объектов: всадников и дам в кринолинах, дома, башни и колокола, фонтаны и пушки. В пейзажах угадывались горы, с облака, деревья, животные..)

Слайд 12

Давайте посмотрим его картину «Озеро». Каковы художественные принципы его творческой манеры? (учащиеся отвечают).

Слайд 13

В картине «Озеро» (1910) предметный и беспредметный принципы сосуществуют. В остальном разгадка ложится на зрителя, который синие полосы может принять за обозначение воды, полосы в верхней части - за обозначение неба.

Реальность и фантазия причудливо переплелись в картине. Мы без особого труда различим в ней гладь водной поверхности, лодки с гребцами, силуэт замка на берегу. Эти предметы написаны на фоне, взрывающемся вспышками ярких цветовых пятен. Одни из них озаряют бездну пространства, другие, напротив, усиливают впечатление таинственности. Линии словно зигзаги молний, то вырываются на поверхность полотна; то устремляются внутрь, заманивая зрителей в свои недра причудливых сплетений абстрактных форм создается особая, «сверхчувственная вибрация». «Хор красок» действительно врывается в душу из природы».

Во многих произведениях 1910 – х. г.г. («Импрессиях», «Импровизациях», «Композициях») узнаваемые детали распределены по всему холсту, возбуждая предметные ассоциации. Смысл переносится на композиционную и колоритную драматургию.

Слайд 14

Давайте посмотрим его картину «Композиция». Каковы художественные принципы его творческой манеры? (учащиеся отвечают).

Слайд 15

В картине «Композиция VI » (1913) крайнее напряжение.

«Композиция VI » вызывает впечатление открывшейся перед зрителем бесконечности пространства. Отсутствие конкретного жеста вовсе не означало полного отсутствия содержания. Сам худож ник связывал ее с ветхозаветным Всемирным потопом. Композицию картины составляют несколько центров, измерить или определить расстояние между которыми не представляется возможным. Изящные , тонкие комбинации коротких линий, широкие полосы сочных и ярких оттенков плавно и мягко перетекают друг в друга. Наше внимание привлекают и всевозможные варианты цветовых сочета ний: светлых и темных, бледных и ярких. Внутреннее движение цвета и линии выражает сложную и напряженную жизнь человече ского духа. Зритель вовлекается в стихийный водоворот красоты линий, сам становится участником той всемирной катастрофы, ко торая преобразует земной и небесный хаос в совершеннейшую гармонию.

Слайд 16

«Аналитическое искусство» П. Филонова.

Павел Николаевич Филонов (1883 – 1941) пошел собственным путем. Создает сочинение «Идеология аналитического искусства», где провозглашался «принцип сделанности».

Художник должен отдавать произведению максимум усилий. Ученики рассказывают, что он отделывал свои картины тонкой кисточкой, начиная заполнять холст от одного края и доходя до противоположного.

Принцип «сделанности» реализован, например, в картине «Коровницы» (1914).

Слайд 17

Судьба Павла Николаевича Филонова поистине драматична. За свою жизнь он не продал ни одной из своих картин, считая, что все, созданное им, должно принадлежать только народу. За десять лет до смерти, нищий и полуголодный, художник продол­ жал писать без перерыва, иногда по нескольку суток подряд. Непо­ нятый, отторгнутый современниками, забытый некоторыми учени­ ками, не имеющий возможности выставляться, он все же мечтал пе­редать свои картины «государству, чтобы из них был создан музей аналитического искусства». В 1941 г. Филонов умер в осажденном Ленинграде, смертельно простудившись во время очередного дежур­ ства на посту ПВО.

Четвертован

вулкан погибших сокровищ, великий художник, очевидец незримого, смутьян холста -

так писал о нем поэт А. Е. Крученых.

Подлинное признание пришло спустя много лет. Теперь карти­ ны Филонова - гордость и украшение любой выставки и картинной галерей.

В манифесте «Идеология аналитического искусства» (1914 - 1915) Филонов писал:

«...Старинное, запутанное понятие слова «творчество» я заме­няю словом «сделанность». В этом смысле «творчество» есть ор­ганизованная систематическая работа человека над материа­лом».

Слайд 18

Филонов считал, что белое поле холста или бумаги - это неви­ димая часть природы, на которой художник должен взрастить, про­ рисовать линией, цветом и формой видимую и невидимую духовную сущность окружающего нас мира. Зритель, рассматривающий кар­ тину, должен видеть, как создается художественный образ, подобно тому, как растет дерево («движение организма против механизма»). «Видящий глаз» человека воспринимает цвет и внешнюю фор­ му тел. «Глаз знающий» постигает скрытое внутреннее движение атомов.

Изображение создается художником от частотного к общему. Он может начинать работу с любой точки холста, отделывая каждый микрон изображения. Своих учеников он призывал работать «только маленькой кистью с острым концом... будто работаешь остром карандашом и боишься его затупить и сломать. Тогда из-под твоей кисти на холсте останется не дурацкий лживый мазок ... а кусок того материала, той материи, из чего состоит все в природе. Упорно и точно рисуй каждый атом!» При этом он мог бес конечное множество раз возвращаться к уже написанному, чтобы выразить самую сущность того или иного явления. Вот почему це лый ряд его произведений носит название «формул» («Форму им периализма», «Формула петроградского пролетариата», «Формула комсомольца»).

Слайд 19

Давайте посмотрим его картину «Формула весны» (1918 – 1929). Каковы художественные принципы его творческой манеры? (учащиеся отвечают).

Слайд 20

Это картина наглядный пример живописной гармонии, достигнутой на основе «аналитической» системы и при помощи приемов «Сделанности». Мы не увидим ни зелени деревьев, ни ручейков, но в ней есть все, что создает именно это время года.

Сложне йшие изгибы форм, переплетение линий, сверкающие и перелив ающиеся на солнце кристаллики цвета рождают в воображении вели колепную гармонию музыкальных ритмов, яркую феерию красок, способную пробудить в душе весеннее чувство обновления пр ироды. Картина действительно стала наглядным подтверждением ма нифеста художника:

«Я знаю, анализирую, вижу, интуирую, что в любом объекте не два предиката, форма да цвет, а целый мир видимых и невиди­ мых явлений...»

Слайд 21

Картина «Пир королей» (1913). Что вы видите на этой картине? (учащиеся отвечают).

Слайд 22

- «Пир королей» стала символом творчества и нелегкой жизни художника. «Пир королей» - это метафора эпохи, развернутая в грандиозных масштабах. Угрюмые и властные мертвецы, чинно восседающие на креслах-тронах, величаво и важно едят овощи. Какое-то дьяволь­ ское пламя зловеще отсвечивает за их спинами, «озаренными подоб­ ным лучу месяца бешенством скорби» (Б. Хлебников). Полускеле­ ты-полутрупы высасывают плоть и кровь у всего живого и чувствен­ ного мира. Мрачен и лихорадочен этот пир временщиков власти, предающихся воспоминаниям о былом могуществе.

Композиционный и колористический строй картины призван подчеркнуть жуткую реальность. Темную цветовую гамму раз­ рывают яркие синие, красные и желтые краски. Но есть в ней и просветляющее начало, слабая надежда на торжествующую энергию и красоту жизни.

Какое впечатление произвело на вас знакомство с его произведениями? (учащиеся отвечают).

Слайд 23

Супрематизм К. Малевича.

Казимир Северинович Малевич (1878 – 1935). Его путь лежал к главному открытию – супрематизму (лат. Высший). Он писал: «Я говорю всем: бросьте любовь, эстетизм, чемоданы мудрости, ибо в новой культуре ваша мудрость слепа и ничтожна! Я развязал узлы мудрости и освободил сознание краски! Я преодолел невозможное и пропасти сделал своим дыханием. Мы, супрематисты, бросаем вам дорогу! Спешите!»

Как вы понимаете эти слова? (учащиеся отвечают).

Слайд 24

Он неутомимо изучал и проверял традиции старых мастеров, искал и оттачивал

новые возможности живописи. Первые картины Малевича были выполне­ ны в яркой импрессионистической мане­ ре («Цветочница», 1903). На смену этим увлечениям пришел «крестьянский при­ митивизм» («Косарь», 1911; «Лицо кресть­ янской девушки», 1912; «Уборка ржи», 1912; «Плотник», 1912; «Жница», 1912). Созданные им крестьянские типы кажут­ ся статичными и тяжеловесными, их внеш­ ний облик явно тяготеет к каким-то ус­ ловным объемам и формам. От смелых поисков путь лежал к открытию – супрематизму.

Главными составляющими творчества художника стали цвет и геометрические формы. В своем фундаментальном труде «Супре матизм. Мир как беспредметность» Малевич так определял задачи и цели своего творчества:

«Художник может быть творцом тогда, когда формы его карти ны не имеют ничего общего с натурой. А искусство - это умение создать конструкцию, вытекающую из взаимоотношений и цвета, и не на основании эстетического вкуса красивости позиции построения - а на основании веса, скорости и направ ления движения...

Слайд 25

Самоценное в живописном творчестве есть цвет и фактура - живописная сущность, но эта сущность всегда убивалась сюже том. Живописцы должны бросить сюжет и вещи, если хотят быть чистыми живописцами...

Живопись - краска, цвет, она заложена внутри нашего организма. Ее вспышки

бывают, велики и требовательны. Моя нервная система окрашена ими. Мой мозг

горит от их цвета».

По мнению художника, в супрематических картинах в качестве основного объекта мог выступать какой-то один элемент (квадрат, крест, прямоугольник, круг), но он

не отрицал возможности создания и более сложных композиций с одновременным

использованием геометрических фигур, парящих в пространстве.

Слайд 26

Давайте посмотрим его картину «Черный квадрат» (1913). Каковы художественные принципы его творческой манеры? (учащиеся отвечают).

Завораживающее действие «Черного квадрата» связано с его способностью концертировать в себе бесконечное, всемирное пространство, преображаться в другие универсальные формулы мира, выражать все во вселенной, концентрируя это все в форме геометрической и черной поверхности.

Слайд 27

- Он говорил: «Квадрат не подсознательная форма. Квадрат живой царственный младенец! Первый шаг чистого творчества в искусстве. До него были уродства и копия натуры. Наш мир искусства стал новым, беспредметным, чистым.. Исчезло все, осталась масса материала, из которого будет строится новая форма».

Слайд 28

Владимир Евграфович Татлин (1885 – 1953) – основоположник живописного конструктивизма.

Он не только попал под влияние Малевича, но он стал его постоянным конкурентом и противником. Татлин проявлял особый интерес к человеческой фигуре, к ее поворотам. Он часто разворачивает голову модели, противопоставляя ее движение движению тела. Эти позы он решительно закрепляет, заставляя контурные линии натягивается, а всю фигуру – пружинить. В его произведениях уже существует реальное пространство, не отделенное хотя бы малой долей условности от пространства окружающего. Поверхность предмета реальна – она не нуждается в эстетическом истолковании, - она есть и должна быть целесообразной. Через несколько лет в его творчестве сомкнутся искусство, техника и наука. У него проявилась изобретательность, практическая сметка, целесообразность, что свойственно инженерной мысли.

Татлин стал родоначальником конструктивизма. Его опыт подхватили Родченко, Степанова, братья Стенберги и другие, оказавшиеся с Татлиным пионерами современного дизайна.

Слайд 29

- «Матрос» (1911) является автопортретом. Он отправлялся в дальнее плавание. Здесь прослеживается натянутая как струна линия. Она не просто обводит силуэт фигуры, но словно обозначает «ребра» объемов, конструирует развороты фигуры, закрепляет позу, доводит движение до кульминационного момента.

Слайд 30

Давайте посмотрим его картину «Натурщица» (1913). Каковы художественные принципы его творческой манеры? (учащиеся отвечают).

Красный цвет нейтрализуется белыми пятнами холста, располагающимися вдоль коричневого контура. В этой картине он соединил примитив с художественной утонченностью.

Слайд 31

Судьба русского авангардиста.

Жизненный и творческий путь каждого из авангардиста авангардистов 1910-х гг. в большей или мень­шей мере был связан с событиями, проис­ходившими в России, с революциями 1917 г., со сменой власти. В 1920-е гг. возникли новые объединения художников, пришли новые поколения, которые успели приобщиться к авангардным принципам, хотя работа в этом направлении не могла быть дол­гой, так как к 1930-м гг. исчезла сама возможность существова­ния авангардного искусства. Однако еще существовал вариант, свидетельствовавший о сближении авангарда с господствующей тогда идеологией.

Поначалу многие художники оказались руководителями и чле­нами разного рода комиссий и отделов народного комиссариата просвещения, стали во главе музеев современного искусства. Но это не могло продолжаться долго. Так называемые левые худож­ники приходили к пониманию несовместимости авангардного творчества и идеологии тоталитарного режима. Малевич понял это уже через несколько лет после революции, немного позже эту несовместимость осознал Татлин.

Слайд 32

Несмотря на то, что авангард разделял и развивал идеи рево­люционного утопизма, сами принципы тоталитаризма были от него бесконечно далеки. Тоталитарному же началу противостоя­ло и многообразие форм авангардных проявлений, которые были основаны на выражении индивидуальных особенностей каж­дого участника авангардного движения. Главным же было то, что авангард возникал не из идей социального преобразования, а из потребности художника-творца постигнуть через искусство сущ­ность мира и бытия, своего собственного смысла и предназначе­ния. В этом легко убедиться, знакомясь с теоретическими рабо­тами В. В. Кандинского, К. С. Малевича, П. Н. Филонова, О. В. Ро­ зановой и многих других. Их теоретические изыскания почти столь же интересны и важны, как и собственное творчество, и вместе они составляют свод глубоких идей.

Ситуация 1920-х гг. отличается тем, что прежде в авангард­ном движении доминировали творческие личности, а теперь в большей мере - группы и школы. Если у Малевича в 1910-е гг. были последователи, то в 1920-е гг. его окружают ученики.

Слайд 33

Русский авангард – явление уникальное в истории мировой культуры. Россия, начавшая осваивать новые художественные идеи, вышла на передовые позиции европейского искусства и стала одним из его признанных лидеров.

Произведения русских художников – авангардистов занимают почетное место в экспозициях крупнейших музеев мира.

---